LABOUR

24/04/2019 - 15/07/2019

Related Artists :
, Aline Bouvy, Cleo Totti, Gaillard & Claude, Jerome Gardening, Jonathan Boutefeu, Kasper Bosmans, Marina Pinsky, Markus von Platen, Pauline Emond

Photography : Ludovic Beillard

 

EN : Contemporary artists works are installed in the museum located in the house-cum-studio of artist, painter, sculptor and draughtsman Constantin Meunier (1831-1905). The items on display trace more specifically the evolution of the master between 1875 and 1905, this "second life" in his own words, during which his Realist talent focused more on the social and industrial aspects of Belgium. Social realism will be updated from the quote New Day New Money To Be Made taken from the pop song Black Barbie by Nicki Minaj addressing the ambient precarity. Time is money. Today’s capitalist society hardly leaves us the time to perform one mission, and we already need to look for the next one. No time to think. This exhausting rhythm of searching for work, finding new clients, making the job and getting paid; This constant reinvention of the self in every challenging moment of uncertainty, became the obsessive, repetitive patterns of our post-colonial, post-proletarian, post-work conditions. These routines in which you are kept captive, prevent the possibility to break through. Precarity is constructed to make change impossible. What about social welfare? What about psychological welfare? Reality check? Paycheck. No time to lose.

  

FR : Des œuvres d'artistes contemporains sont installées dans le musée situé dans la maison-atelier de l'artiste Constantin Meunier (1831-1905) dont le réalisme social sera mis à jour à partir de la citation New Day New Money To Made tirée d’une chanson de Nicki Minaj qui aborde la précarité. Le temps, c'est de l'argent. La société capitaliste nous laisse à peine le temps de remplir une mission et nous devons déjà en rechercher une autre. Ce rythme épuisant de recherche de travail ; cette réinvention constante du moi dans tous les moments d'incertitude est devenue le modèle obsessionnel et répétitif de nos conditions post coloniales, post-prolétariennes et post-travail. Ces routines dans lesquelles vous êtes gardé en captivité empêchent toute possibilité de percer. La précarité est construite pour rendre le changement impossible. Qu'en est-il du bien-être? Paycheck. Pas de temps à perdre.

 

NL : Verschillende werken van hedendaagse kunstenaars worden gepresenteerd in het Meuniermuseum, de voormalige huisstudio van de kunstenaar Constantin Meunier (1831-1905). Zijn sociaalrealisme wordt in een nieuw licht geplaatst via het citaat New Day New Money To Be Made, uit een lied van Nicki Minaj dat handelt over onzekerheid. Tijd is geld. De kapitalistische maatschappij laat ons amper tijd om één opdracht tot een goed einde te brengen, of we moeten al op zoek naar een andere: dit resulteert in het vermoeiende tempo van telkens opnieuw zoeken naar een baan, het vinden van nieuwe klanten, de job trachten waar te maken en geld te verdienen. Dit constante heruitvinden van het ego in deze momenten van onzekerheid, is het obsessieve en zich herhalende model geworden van onze postkoloniale en post-proletarische samenleving. Men wordt in gevangenschap gehouden door de routine, die de mogelijkheid om werkelijk door te breken voorkomt. Precariteit is geconstrueerd om verandering onmogelijk te maken. Maar wat met onze sociale welvaart? Reality check? Paycheck. Geen tijd te verliezen.

 

labour Kasper Bosmans

  Kasper Bosmans, Lenape-Penn Treaty, 2016-2019, 4 turtle shells and 22 magnets. 


EN : The work Lenape-Penn Treaty by Kasper Bosmans (BE) depicts three silver balls on a black stripe. The Lenape / turtle clan, a native American tribe, took the turtle as their representative animal. By combining the Penn balls and the native American turtle shells (bought from American sellers on Ebay), the artist tried to find a shape that talks about the Penn treaty. The Penn Treaty is an arrangement William Penn made with these Native Americans who have been pushed from Manhattan to Pennsylvania by the settlers. They agreed to live peacefully together and hunt, farm, and trade in an amicable way. The treaty was later violated by the sons of William Penn, by unlawfully selling off land to Dutch and Swedish farmers. 

 

FR : L’œuvre Lenape-Penn Treaty de Kasper Bosmans (BE) représente trois boules d’argent sur une bande noire. Le clan Lenape / tortues, une tribu amérindienne, a pris la tortue comme animal représentatif. En combinant les boules métalliques magnétiques Penn et les carapaces de tortues amérindiennes (achetées à des vendeurs américains sur eBay), l’artiste a tenté de trouver une forme qui parle du traité Penn. Le Traité Penn est un arrangement conclu par William Penn avec ces Amérindiens qui avaient été poussés de Manhattan en Pennsylvanie par les colons. Ils ont accepté de vivre en paix ensemble et de chasser, cultiver et échanger à l'amiable. Le traité fut ensuite violé par les fils de William Penn, en vendant illégalement des terres à des agriculteurs néerlandais et suédois.

 

NL : Het werk Lenape-Penn Treaty van Kasper Bosmans (BE) toont drie zilveren ballen op een zwarte streep. De Lenape, een Inheems Amerikaans volk, had de schildpad als representatief dier. Door het combineren van Penn ballen en het schild van deze inheems Amerikaanse schildpad (gekocht via Amerikaanse verkopers op Ebay), tracht de kunstenaar een manier te vinden om over de Penn Treaty te praten. De Penn Treaty was een verdrag dat William Penn sloot met de inheemse Amerikanen die van Manhattan naar Pennsylvania waren verdreven door de kolonisten. In deze regeling gingen ze akkoord om vredevol samen te leven en te jagen, alsook aan landbouw en handel te doen op een vriendschappelijke manier. Dit verdrag zou later geschonden worden door de zonen van William Penn, die onrechtmatig land verkochten aan Duitse en Zweedse boeren.

 

labour Aline Bouvy

 Aline Bouvy, McMeunier I, II, 2019, 12cm, jesmonite, fiberglass, pigment, natural wax.

 

EN : Aline Bouvy’s (BE/LXG) black cast of a hamburger represents this most universal item of contemporary cooking as an icon of globalized democratization; It questions our access to processed food and our disconnection with the origin of what we eat. While the black jesmonite is a material that recalls the bronze, the piece works as an equivalent of the four seasons cast of the harvesters and the planters by Meunier in the 19th century. Meunier represented the industrial and agricultural workers as the heroes of the nation. Their idealised body at the service of the production with the hope of a better life led us to manufactured goods that are epitomized in the object of the hamburger. As Aline Bouvy links very often in her work the representation of the human body, animals and everyday objects in a cycle of consumption, this can be resolved in this pocket monumentality giving value to the most banal fast-food item as a point of desire and repulsion between the body and the self.

 

FR : Le moulage noir d’un hamburger d’Aline Bouvy (BE / LXG) représente cet élément de la cuisine contemporaine des plus universels en tant qu’icône de la démocratisation mondialisée. Il questionnant notre accès aux aliments transformés et notre déconnexion avec l'origine de ce que nous mangeons. Alors que la jesmonite noire est un matériau qui rappelle le bronze, cette pièce est l’équivalent des quatre saisons des chasseurs et des planteurs de Meunier au XIXe siècle. Meunier représentait les ouvriers de l'industrie et de l'agriculture comme les héros de la nation. Leur corps idéalisé au service de la production dans l’espoir d’une vie meilleure nous a conduit à des produits manufacturés qui sont résumés dans l’objet du hamburger. Comme Aline Bouvy associe très souvent dans son travail la représentation du corps humain, des animaux et des objets quotidiens dans un cycle de consommation, cela peut être résolu dans cette monumentalité de poche donnant de la valeur à l’objet le plus banal qu’est le fast-food en tant que point de désir et répulsion entre le corps et le soi.


NL : Aline Bouvy’s (BE/LXG) zwarte afgietsel van een hamburger stelt dit zo universele object uit de hedendaagse keuken voor als een symbool van geglobaliseerde democratisering. Daarmee stelt dit werk onze toegang tot verwerkte voedingsproducten in vraag, alsook de manier waarop we zijn losgekoppeld van de herkomst van wat we eten. Terwijl het zwarte Jesmonite doet denken aan brons, is dit werk een equivalent van het 19de-eeuwse vier seizoenen afgietsel van de oogster en de planters door Meunier. Bij Meunier werden de industriële werker en landbouwer voorgesteld als de helden van de natie. Hun geïdealiseerde lichamen stonden ten dienste van de productie die werd voortgedreven door de hoop op een beter leven. Dit heeft ons gebracht tot de massaconsumptie van gefabriceerde goederen, waarvan de hamburger de belichaming is. Net zoals Aline Bouvy in haar werk vaak de representatie van het lichaam, dieren en dagelijkse voorwerpen in de cyclus van consumptie plaatst, wordt met dit werk waarde gegeven aan het meest banale fastfood als een object van lust en weerzin tussen het lichaam en het ego.

labour Gaillard & Claude

 Gaillard & Claude, Flutes At The Barns, 2019, 64x44 cm, framed print.

 

EN : Gaillard & Claude’s (FR) anthropomorphic objects are staged in an equestrian context in which foreign elements such as the flyers of house music parties suggest an estrangement effect by contrast. It is so unlikely to find those flyers in the barn and you can wonder who is the horse rider? Those white sculptures look unreal in the decor. They also look like human figures suggesting they could be the musicians and the dj and the crowd attending those events advertised on the posters? Different times and spaces collide in this room : The countryside and its traditions with all the erotic charge the scene can suggest and the urban nocturnal youth life evoking

emancipation from stable structures from the past. The urban and the natural, the contemporary and the past meet in this unrealistic scene. The white shapes become the characters pornographed as if they are part of an erotic scene.

 

FR : Les objets anthropomorphes de Gaillard & Claude (FR) sont mis en scène dans un contexte équestre dans lequel des éléments étrangers, tels que les flyers des soirées de house music, suggèrent un effet de distanciation par contraste. Il est si peu probable de trouver ces flyers dans la grange et l’on peut se demander qui est le cavalier? Ces sculptures blanches ont l'air irréelles dans le décor. Elles ressemblent aussi à des figures humaines suggérant qu’elles pourraient être les musiciens, le dj et la foule assistant à ces événements annoncés sur les affiches? Différents moments et espaces entrent en collision dans cette pièce : la campagne et ses traditions avec toute la charge érotique que la scène peut suggérer, et la jeunesse urbaine nocturne évoquant l’émancipation des structures stables du passé. L'urbain et le naturel, le contemporain et le passé se rencontrent dans cette scène irréaliste. Les formes blanches deviennent les personnages pornographiés comme s’ils faisaient partie d’une scène érotique.

 

NL : De antropomorfe objecten van Gaillard & Claude (FR) worden geplaatst in een ruiterlijke context waar contrasterende elementen zoals flyers voor feestjes met housemuziek een vervreemding suggereren. Het is zo ongebruikelijk om dergelijke flyers in een stal te vinden dat je je afvraagt wie deze ruiter is. De witte sculpturen lijken onwerkelijk in het decor. Ze lijken tegelijk op menselijke figuren, wat dan weer suggereert dat het zou kunnen gaan om de muzikanten, de dj en het publiek die de op de flyers geadverteerde evenementen bijwonen. Verschillende tijden en ruimtes ontmoeten elkaar in deze kamer: het landelijke met z’n tradities en de door de scene gesuggereerde erotische geladenheid; alsook het stedelijke met het nachtelijke jeugdleven, dat emancipatie tegenover de stabiele structuren uit het verleden oproept. Het stedelijk en het natuurlijke, het nu en het verleden ontmoeten in dit onrealistische scenario. De witte vormen worden de geseksualiseerde personages, alsof ze deel uitmaken van een erotische scene.

 

labour Jerome Gardening

 Jerome Gardening, Triplanter, 2018, 88x73-6866x96,5cm, wood, steel, lacquer.

 

EN : The Triplanter by Jerome Gardening (BE) is a tool that allows three gardeners to plant simultaneously. The tool can be used to plant moments, dances, time or souvenirs. When it is used for a dance by three gardeners, it serves as the central supportive axis around which they rotate. During the dance the axis could move horizontally as well as vertically, and this curve is created by the gardeners. The video that shows this performance is 1'19" with sound. 

 

FR : Le Triplanter de Jerome Gardening (BE) est un outil qui permet à trois jardiniers de planter simultanément. L'outil peut être utilisé pour planter des moments, des danses, du temps ou des souvenirs. Quand il est utilisé pour une danse par trois jardiniers, il sert d’axe de soutien central autour duquel ils tournent. Pendant la danse, l'axe peut se déplacer aussi bien horizontalement que verticalement, et cette courbe est créée par les jardiniers. 

 

NL : The Triplanter van Jerome Gardening (BE) is een werktuig dat drie tuiniers in staat stelt om tegelijk te planten. Dit werktuig kan gebruikt worden om momenten, danspartijen, tijd of souvenirs te planten. Wanneer het gebruikt wordt voor een dans door drie tuiniers, dient The Triplanter als de centrale ondersteunende as waarrond zij draaien. Tijdens de dans kan de as zowel horizontaal als verticaal bewegen, en deze curve wordt gecreëerd door de tuiniers. 

 

 Marina Pinsky & Jonathan Boutefeu

 Marina Pinsky & Jonathan Boutefeu, Patinoire du tram, 2019, 100x150cm, 3 photographies, 2 jumpsuits, 2 pairs of rollers

 

EN : The installation of Marina Pinsky (USA) and Jonathan Boutefeu (BE) is part of current trends in urbanization, one of the most important themes of development is the means of transport. It seems that individual modes of transport would be preferred to mass infrastructures such as public transport which is often failing. In the face of climate change, mobility is approached in a sustainable way. For city-dwellers who are used to bicycles, scooters and skateboards in cities smothered by traffic, the solution presented by car manufacturers is to make them electric vehicles. So now we have electric bicycles, electric scooters and electric skateboards. We chose to work on roller skates to promote effective urban mobility that are reminiscent of the fashion of 20th-century subcultures roller derby, roller-disco and youth music. To make their own roller skates and tunics, the artists used the fabrics of the iconic benches of the 1970’s STIB. This material will appear in the video and photos in various parts of the city, where this mobile accessory opens up a potential revival.

 

FR : L’installation de Marina Pinsky (USA) et Jonathan Boutefeu (BE) s’inscrit dans les tendances actuelles de l’urbanisation, dont l’un des thèmes les plus importants du développement est le moyen de transport. Il semble que les modes de transport individuels seraient préférés aux infrastructures de masse tel que les transports en commun souvent défaillants. Face aux changements climatiques, la mobilité est abordée de manière durable. Pour les citadins qui sont habitués à des vélos, des scooters et planches à roulettes dans les villes étouffées par le trafic, la solution présentée par les constructeurs automobiles est d’en faire des véhicules électriques. Nous avons donc maintenant des vélos électriques, des scooters électriques et des planches à roulettes électriques. Nous avons choisi de travailler sur les patins à roulettes pour promouvoir une mobilité urbaine efficace qui ne sont pas sans rappeler la mode des sous-cultures du 20ème siècle - roller derby, roller-disco et la musique des jeunes. Pour fabriquer leurs propres patins à roulettes et tuniques, les artistes ont utilisé les tissus des iconiques banquettes des années 70 de la STIB. Ce matériel apparaîtra dans la vidéo et les photos dans divers endroits de la ville, où cet accessoire mobile ouvre un « renouveau » potentiel.


NE : De installatie van Marina Pinksy (USA) en Jonathan Boutefeu (BE) speelt in op huidige trends binnen de urbanisering. Eén van de meest belangrijke thema’s hierbinnen is transport. Het lijkt erop dat individuele vormen van transport verkozen worden boven grootschaligere methoden die vaak te wensen overlaten, zoals het openbaar vervoer. In het licht van de klimaatsveranderingen, wordt mobiliteit echter meer en meer vanuit een duurzame hoek bekeken. Voor stadmensen die gewend zijn aan fietsen, scooters en skateboards in het vaak verstikkende straatbeeld, ligt de oplossing voor autoproducenten dan ook bij het maken van elektrische voertuigen. Nu zien we elektrische fietsen, elektrische scooters en elektrische skateboards. We kiezen ervoor te gaan werken op rolschaatsen om een efficiënte stedelijke mobiliteit te promoten die doet denken aan de mode van de 20ste-eeuwse roller derby, rollerdisco en jongerenmuziek. Voor deze installatie maakten de artiesten hun eigen rolschaatsen en tunieken uit stoffen van de iconische MIVB-banken uit de jaren'70. Dit materiaal is te zien in de video en de foto’s die zich afspelen in verschillende delen van de stad, waar dit mobiele accessoire het potentieel heeft weer te herleven.

labour  Cléo Totti

 Cléo Totti, NippMush: Eat To My Mother replay XX, 2019, copper, plaster, acrylic.

 

EN : The work of Cléo Totti (BE) expresses a hybrid universe where high technology seamlessly merges with nature, abstraction and references to the body, represented in a fragmented and distorted way, or transfigured into another object. Cléo positions human bodies as a part of a greater ecosystem, which is equally natural and synthetic and which seems as dangerous as it is exciting. The bodies in Cleo's works are androgenic and the properties of the used media, alternating between liquid and solid states, further reinforce the idea of fluidity of gender and sexuality. The piece NippMush: Eat To My Mother replay XX, in copper, is a metaphor of the mother goddess, showing the nipples as mushroom. This piece reveals the traces of time and our ephemeral condition.The circle of life that we are in, from the nutrition to the putrefaction ; Screaming to life in order to make understand that we are only humans, the raw aspect of the copper melted can as well refer to the digital era and to the fluidity that we live in. Questioning the human condition in that context, knowing that conventionally the female is the one who gives birth and nourish their children, this piece can be an echo to the well known sculpture representing Rome The she-wolf of the Capitol. This piece can also evoke our Belgian comics culture and to the Smurfs that lives in mushrooms…

 

FR : Le travail de Cléo Totti (BE) exprime un univers hybride où la haute technologie se confond avec la nature, l'abstraction et les références au corps, représentés de manière fragmentée et déformée, ou transfigurée en un autre objet. Cléo positionne le corps humain dans un écosystème plus vaste, à la fois naturel et synthétique, qui semble aussi dangereux que excitant. Les corps dans les œuvres de Cleo sont androgènes et les propriétés du média utilisé, alternant entre les états liquide et solide, renforcent encore l'idée de la fluidité du genre et de la sexualité. La pièce NippMush : Eat To My Mother Replay XX, en cuivre, est une métaphore de la déesse mère, montrant les mamelons comme un champignon. Cette pièce révèle les traces du temps et notre condition éphémère. Le cercle de la vie dans lequel nous sommes, de la nutrition à la putréfaction; crier à la vie pour faire comprendre que nous ne sommes que des humains, l’aspect brut du cuivre fondu peut aussi bien renvoyer à l’ère numérique et à la fluidité dans laquelle nous vivons. Remettre en cause la condition humaine dans ce contexte, sachant que la femme est celle qui accouche et nourrit leurs enfants, cette pièce peut faire écho à la célèbre sculpture représentant Rome, La louve du Capitole. Elle peut aussi évoquer notre culture de la bande dessinée belge et les Schtroumpfs qui vivent dans les champignons…

 

NL : Het werk van Cléo Totti (BE) geeft uiting van een hybride universum waar geavanceerde technologie naadloos samensmelt met natuur, abstractie en verwijzingen naar het lichaam. Dit wordt vertegenwoordigd op een vervormde en gefragmenteerde wijze, of overgebracht in een ander object. Cléo positioneert menselijke lichamen als deel van een groter ecosysteem, dat zowel natuurlijk als synthetisch is en even gevaarlijk als opwindend lijkt. De lichamen in Cléo’s werk zijn androgyn en de eigenschappen van de gebruikte media, wisselend tussen vloeibaar en vast, versterken de idee van de vloeibaarheid van gender en seksualiteit. Het werk NippMush: Eat To My Mother replay XX, in koper, is een metafoor voor de moeder god, waarbij de tepels paddenstoelen zijn. Hierbij legt het de sporen van de tijd bloot, alsook onze vluchtige toestand. De cirkel van ons bestaan waarin we ons bevinden, van de voeding tot de verrotting; schreeuwend naar het leven, teneinde te begrijpen dat we slechts mensen zijn. Het rauwe aspect van het gesmolten koper verwijst eveneens naar het digitale tijdperk waarin we leven en de vloeibaarheid daarvan. De menselijke conditie in deze context in vraag stellend, wetende dat conventioneel gezien de vrouw geboorte geeft en het kind voedt, kan dit werk eveneens gezien worden als een echo van de welgekende Romeinse sculptuur De capitolijnse wolvin. Dit werk kan zo eveneens onze Belgische stripcultuur oproepen, alsook de Smurfen die in de paddenstoelen wonen…

 

labour Markus von Platen

 Markus von Platen, Harvesters, 2018, 115x51x4 cm, resin, polymer, fiberglass, pigments.

 

EN : The work of Markus von Platen (DK) revolves around the materialization of reliefs and sculptures, often related to the process of moulding, re-casting and treating the surface of industrial building materials. The result is a somewhat post-object where the composition of the casting materials, when mixed together, forms in an almost painterly gesture. In the bas-relief Harvesters, two figures are set against each other. They describe a historical recurrence between the fanatical gold rush of California in 1849 and today’s cryptocurrency bubble. Each of the figures represent the worker as such; on the one-hand a person manually panning a stream for tiny fractions of gold, on the other, a fully automated mining rig. As contrary as they seem, they both stem from the same anarchic surge for resources, whether through human or mechanical labor. 

 

FR : L’œuvre de Markus von Platen (DK) s’articule autour de la matérialisation de reliefs et de sculptures, souvent liée au processus de moulage, de refonte et de traitement de la surface de matériaux de construction industriels. Le résultat est quelque peu post-objet où la composition des matériaux de moulage, lorsqu'ils sont mélangés, se forme dans un geste presque pictural. Dans le bas-relief Harvesters, deux personnages s’affrontent. Ils décrivent une récurrence historique entre la ruée vers l’or fanatique de la Californie en 1849 et la bulle de crypto-monnaie actuelle. Chacune des figures représente le travailleur en tant que tel; d'une part, une personne balayant manuellement un flux de minuscules fractions d'or, d'autre part, une plate-forme minière entièrement automatisée. Bien qu'ils semblent contraires, ils découlent tous deux du même élan anarchique de ressources, que ce soit par le travail humain ou mécanique.

 

NL : Het werk van Markus von Platen (DK) focust zich op de materialisatie van reliëfs en sculpturen, vaak refererend aan het proces van mouleren, hervormen en bewerken van het oppervlak van industriële bouwmaterialen. Het resultaat is een soort van post-object, waarbij de compositie van het gemouleerde materiaal, wanneer het wordt gemengd, in een haast schilderkunstig gebaar samenkomt. In het bas-reliëf Harvesters, zijn twee figuren tegenover elkaar geplaatst. Ze beschrijven een historische parallel tussen de Californische goudkoorts in 1849 en de hedendaagse cryptocurrency bubbel. Elke figuur verbeeldt de werker als dusdanig: aan de ene kant een persoon die manueel de stroom van kleine gouddeeltjes zwenkt, en aan de andere kant een volledig geautomatiseerd mijnbouwtuig. Hoe tegengesteld deze ook mogen lijken, beiden komen ze voort uit dezelfde anarchistische zoektocht naar grondstoffen, zijnde door menselijke of mechanische arbeid.

 

LABOUR

 Pauline Edmond, I'll describe the place, that's unimportant, 2014, 170x130cm, polypropylene, polyethylene

 

EN : Pauline Emond (BE) makes sculptures, drawings, engravings from sensations, in a process of research and testing the theme of the transition from one state to another, physically as well as conceptually. Apparently tangible things become malleable, modelable. The play I'll describe the place, that's unimportant takes a look at a workspace and thought in time. Constantin Meunier painted fields of gleaners picking up things left scattered for food. Here the place of work is rendered useless, scattered, decomposed. The remaining pieces occupy a random, precarious, always revocable place. The title is taken from Samuel Beckett's News for Nothing / Text for nothing - here an excerpt: Suddenly, no, at last, long last, I couldn’t any more, I couldn’t go on. Someone said, you can’t stay here. I couldn’t stay there and I couldn’t go on. I’ll describe the place, that’s unimportant. […] How can I go on, I shouldn’t have begun, no, I had to begin. Someone said, perhaps the same, What possessed you to come? I could have stayed in my den, snug and dry, I couldn’t. My send, I’ll describe it, no I can’t. It’s simple, I can do nothing any more, that’s what you think.

 

FR : Pauline Emond (BE) réalise des sculptures, dessins, gravures à partir des sensations, dans un processus de recherche et d’essais le thème du passage d’un état à un autre, physiquement autant que conceptuellement. Des choses apparemment tangibles deviennent malléables, modelables. La pièce I’ll describe the place, that’s unimportant pose un regard sur un espace de travail et de pensée dans le temps. Constantin Meunier peignait des champs de glaneuses ramassant des choses laissées, dispersées, pour se nourrir. Ici le lieu de travail est rendu inutile, dispersé, décomposé. Les morceaux restant occupent une place aléatoire, précaire, toujours révocable. Le titre est tiré des Nouvelles pour rien/Text for nothing de Samuel Beckett - ici un extrait : Suddenly, no, at last, long last, I couldn’t any more, I couldn’t go on. Someone said, you can’t stay here. I couldn’t stay there and I couldn’t go on. I’ll describe the place, that’s unimportant. […] How can I go on, I shouldn’t have begun, no, I had to begin. Someone said, perhaps the same, What possessed you to come? I could have stayed in my den, snug and dry, I couldn’t. My send, I’ll describe it, no I can’t. It’s simple, I can do nothing any more, that’s what you think.

 

NL : Pauline Emond (BE) maakt sculpturen, tekeningen en gravures van sensaties. Hierbij onderzoekt ze het thema van transitie van de ene naar de andere toestand, dit zowel fysiek als conceptueel. Schijnbaar tastbare zaken worden smeedbaar en moduleerbaar. Het werk I’ll describe the place, that’s unimportant bekijkt een werkplaats doorheen de tijd. Constantin Meunier schilderde velden vol arenlezers: arme mensen die na de oogst de goedkeuring kregen om op zoek te gaan naar wat achterbleef op het veld. De werkplaats wordt hier vruchteloos, verspreid en ontbonden. De overblijvende deeltjes nemen een willekeurige, precaire en steeds herroepelijke plaats in. De titel van dit werk is ontleend aan News for Nothing / Text for Nothing van Samuel Beckett – hier een fragment: Suddenly, no, at last, long last, I couldn’t any more, I couldn’t go on. Someone said, you can’t stay here. I couldn’t stay there and I couldn’t go on. I’ll describe the place, that’s unimportant. […] How can I go on, I shouldn’t have begun, no, I had to begin. Someone said, perhaps the same, what possessed you to come? I could have stayed in my den, snug and dry, I couldn’t. My send, I’ll describe it, no I can’t. It’s simple, I can do nothing any more, that’s what you think.

 

LABOUR

 Expo view. Marina Pinsky & Jonathan Boutefeu

LABOUR

 Expo view. Marina Pinsky & Jonathan Boutefeu